Pianisti all’Opera: JONATHAN SANTAGADA

Dopo il successo e l’interesse suscitato dall’intervista a Paolo Villa ho deciso di continuare a raccontare le storie di musicisti che hanno affrontato la professione di maestro collaboratore in Italia o all’estero. Una figura complessa, quella del maestro collaboratore: dalle conversazioni scaturite qua e là su questo blog, nella pagina facebook correlata o nelle chiacchierate tra colleghi si evince che la parola più adatta per descrivere questo musicista sia VERSATILITA’. Un lavoro complesso e sfaccettato che per la maggior parte si svolge dietro le quinte, ecco perché Pianisti all’Opera si propone di far conoscere il più possibile la professione e i suoi protagonisti portandoli finalmente sotto i riflettori. Ed è con grande piacere che oggi vi presentiamo la nostra intervista a Jonathan Santagada, maestro collaboratore, pianista e direttore d’orchestra attualmente impiegato presso il Covent Garden di Londra.

Jonathan Santagada si è specializzato nella professione di maestro collaboratore presso il Teatro Lirico Sperimentale “A. Belli” di Spoleto dopo aver conseguito il diploma di pianoforte presso il Conservatorio G. Verdi di Torino e il perfezionamento pianistico presso il Conservatoire Supérieur de Musique di Lione. In qualità di pianista e direttore d’orchestra ha collaborato con prestigiosi teatri quali il Teatro di Basilea, il Teatro Regio di Torino, l’Opera North e il Covent Garden, dove lavora tuttora. 

Chi sei?
Non è facile descriversi, oggi ti risponderei un direttore d’orchestra ma credo che musicista sia la definizione che più mi piace, sono riuscito a farmelo scrivere perfino sulla carta d’identità. Il funzionario insisteva che dovevo essere iscritto all’albo, come un avvocato…alla fine lo convinsi!
L’opera che ami di più?
Tosca
Perché?
Perché c’è tutto, è un thriller, è un film dall’inizio alla fine, ogni singola nota la puoi “vedere”, temi di una bellezza incredibile e personaggi di una forza comunicativa straordinaria. Ho sempre sognato di dirigerla e adoro suonarla.

Come sei diventato un maestro collaboratore? Caso, passione o necessità?
L’inizio è stato casuale, nei dieci anni di Conservatorio non avevo mai sentito queste due parole, sapevo che alcuni pianisti, quelli meno bravi,  “accompagnavano i cantanti”, ma nulla di più. Dopo il biennio scoprii per caso il corso per maestri collaboratori del Teatro Lirico Sperimentale “A. Belli” di Spoleto, andai a fare l’audizione prendendo un mitico intercity da Torino, che tra l’altro fece un ritardo storico, e vinsi! Mi si aprì letteralmente un mondo, e per una serie di coincidenze diventai il primo pianista delle produzioni, conobbi il M° Marco Boemi che diventò il mio Maestro di direzione e il M° Giuliano Betta con cui collaborai successivamente al Teatro di Basilea. Poi cominciai a fare audizioni in Francia e Inghilterra e iniziai ad avere i primi contratti, quindi presi coraggio e decisi di tentare l’audizione dello Young Artists Programme del Covent Garden.
E quando hai iniziato a pensare alla professione di direttore d’orchestra?
Come molti colleghi sanno, al maestro collaboratore può essere chiesto di dirigere le famose bande di palcoscenico, un lavoro molto delicato che se fatto male può creare danni seri. La prima banda che mi affidarono al Teatro di Basilea fu quella di “Un ballo in maschera”, una delle più ostiche in assoluto. A quanto pare me la cavai e decisero di farmi fare l’assistente per l’opera successiva, “Lo Speziale” di Haydn. La produzione fu un grosso successo e il sovrintendente del teatro decise di aggiungere delle recite per fare cassa, ma in una di queste nuove date il direttore non era disponibile. Nel frattempo avevo cominciato a lavorare come vocal coach al Royal Northern College of Music e mi arrivò una chiamata a sorpresa in cui mi offrivano di dirigere quella recita. Ci pensai un pochino e poi accettai. La recita andò molto bene e da lì cominciai a pensare che quel lavoro potesse fare per me.

Grazie al tuo lavoro hai avuto l’opportunità di vivere in diversi Paesi europei: quali ti sono rimasti nel cuore?
Beh, senza dubbio è d’obbligo iniziare dall’Italia: è un paese straordinario a cui devo moltissimo e di cui sento una nostalgia molto forte. Purtroppo però è una Nazione che ha dimenticato un’intera generazione e in cui il merito non sempre viene valorizzato. All’estero non è tutto rosa e fiori ma si ha la possibilità di provare, di sbagliare, di farsi notare e si riceve una risposta alle e-mail!
Francia e Svizzera invece?
La Francia è un paese che ho imparato ad amare, ma l’inizio non è stato facilissimo…l’Italia aveva appena vinto i mondiali, e io non parlavo una parola di francese. E poi era la prima volta fuori casa, ricordo lo sguardo perso di fronte alla lavatrice…ma durò poco, e penso che quell’esperienza abbia inciso profondamente sulla mia formazione musicale e in qualche modo mi abbia aperto la mente per ciò che poi sarebbe accaduto dopo.
In Svizzera si lavora benissimo, tutto è ordinato, le macchine inchiodano appena metti la punta delle scarpe sulle strisce pedonali e i bambini entrano a scuola in fila per due. Ricordo poi un fiscalissimo doganiere alla stazione di Basilea, controllava tutti e faceva molte domande. Quando arrivò il mio turno gli dissi che ero un musicista e lavoravo in teatro, mi lasciò subito passare guardandomi come se gli avessi detto che ero il Primo Ministro! Magari era solo un amante dell’opera, chissà, però dice molto sul rispetto per la musica che si respira in quel paese. E infatti è l’unica Nazione al mondo che ha l’educazione musicale nella Costituzione! Difetti direi che si paga anche l’aria che respiri e dopo le sei di sera la gente scompare dalle strade, non ho mai capito perché.
E infine l’Inghilterra.
Sì, ci vivo da sei anni e lo considero ormai il mio secondo Paese. Qui la meritocrazia si tocca con mano. Sia al Royal Northern College of Music che al Covent Garden non conoscevo nessuno, ho fatto la domanda online e sono stato invitato alle audizioni. Se devo trovarle un difetto direi senza dubbio il tempo, che non è manco colpa sua per carità, ma a volte supera ogni limite… ricordo un luglio a Manchester coi riscaldamenti accesi! Sul cibo non voglio infierire.

Da musicista espatriata in Germania mi sento di offrirti la mia massima solidarietà in merito. Ma torniamo a noi e alla figura centrale del nostro blog: s
econdo la tua esperienza di pianista, quali sono le qualità imprescindibili che un buon maestro collaboratore deve avere?
Beh, nonostante il luogo comune che ai miei tempi circolava in conservatorio secondo cui i maestri accompagnatori sarebbero pianisti di serie B, indubbiamente bisogna essere degli ottimi pianisti ed essere in grado di imparare molta musica in tempi brevi. Poi bisogna essere in grado di lavorare con i cantanti, essere un po’ psicologi e cercare di ottenere il massimo con i dovuti modi. Non solo: è necessario, ahimè, saper cantare un pochino. Spesso in prova manca un cantante e serve qualcuno che canti le linee mancanti…se non lo fa il direttore tocca al pianista!
Importantissima la prima vista, arriverà sempre l’aria che nemmeno IMSLP Petrucci conosce , ma il cantante si!
Non guastano nemmeno alcune nozioni di direzione: anche se non volete fare i direttori succederà prima o poi che vi chiederanno di dirigere una prova, o un interno di palcoscenico; per trovare più facilmente lavoro inoltre è utile conoscere due o tre lingue – oltre ad essere fondamentale nel lavoro con i cantanti.
Ah, dimenticavo: bisogna ridere alle battute del Maestro. Sempre!

Londra per il mondo del teatro è sinonimo di Covent Garden. Ti rendi conto di lavorare in una sorta di mito, o lavorandoci dall’interno ci si accorge che un teatro vale l’altro?  
Il Covent Garden è sicuramente un posto speciale, per la sua storia e per la qualità dei cast e delle produzioni che vengono messe in scena. Vivere tutto ciò dall’interno è emozionante e allo stesso tempo mette una certa pressione con cui bisogna fare i conti. Alcune recite vanno in diretta mondiale nei cinema, diverse prove vengono filmate e finiscono nei notiziari, alcuni eventi vanno in diretta su youtube, e tu magari rimugini per mesi e mesi su quella notina sbagliata…Quindi credo che onestamente la risposta sia si, si percepisce di essere in un teatro speciale.

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Inoltre in un teatro del genere hai la fortuna di fare musica con grandi Maestri, no? Leggo che parte del tuo lavoro consiste nell’affiancare Antonio Pappano nelle sue produzioni. Com’è lavorare con lui?
Lavorare con Antonio Pappano è certamente un’esperienza unica. Ho avuto la fortuna di lavorare moltissimo con lui, in questi giorni stiamo facendo “Lady Macbeth of Mcensk” di Shostakovich ed è la mia decima produzione con lui! Ha un carisma enorme e riesce ad ottenere dall’orchestra e dai cantanti sempre il massimo – e anche da noi! Oltre ad essere famoso come direttore lo è anche come pianista, la mia prima opera in cui feci il “chief repetiteur” con lui fu una nuova produzione del “Guglielmo Tell”! Puoi immaginare quanto fossi rilassato!
Altre superstar degne di nota?
Sicuramente Jonas Kaufmann, lavorare con lui in Andrea Chénier e Otello è stato incredibile. E’ un artista completo, preparatissimo e di una musicalità rara. Però nei dovrei citare tanti altri….posso? Bryn Terfel, Anna Netrebko, Ermonela Jaho, Joyce DiDonato, Sondra Radvanovsky, Sonya Yoncheva, Alessandro Corbelli, Ildebrando D’Arcangelo, Gerald Finley…
Le porte del Covent Garden ti sono state aperte grazie al programma per giovani artisti “in residence” Jette Parker. Come funziona? E’ stato utile?
Il programma Jette Parker del Covent Garden è strutturato in maniera tale da fornire il massimo delle opportunità a cantanti, registi e pianisti/direttori. Si viene immediatamente immersi nel mondo del teatro, il programma è parte integrante della macchina teatrale; i cantanti cantano i ruoli comprimari nelle produzioni e fanno i cover per i ruoli più grandi, i pianisti/direttori suonano immediatamente nelle prove di scena e musicali, dirigono gli interni, suonano in orchestra, fanno i suggeritori all’occorrenza, e hanno l’opportunità di dirigere due produzioni dello “Young Artist” più due gala nella sala principale con l’orchestra del teatro. E trovarsi su quel podio, con l’orchestra della Royal Opera House,  fa una certa impressione!

Futuri progetti?
Questa estate dirigerò “Madama Butterfly” e “L’elisir d’amore” per il Mediterranean Opera Festival in Sicilia, “Henry V” di William Walton al New Generation Festival a Firenze, e poi dirigerò la mia amata “Tosca” all’Opera North in autunno. Come assistente  lavorerò all’Opéra National de Paris con il M° Nicola Luisotti, al Teatro Real di Madrid con il M° Maurizio Benini e poi tornerò per altri progetti al Covent Garden.

Cosa raccomanderesti a un giovane musicista che voglia affacciarsi al mondo dell’opera?
Consiglierei di essere molto convinto di voler fare questo lavoro, deve essere un mestiere per cui non si  può fare a meno, non è un lavoro normale, e bisogna accettare che inevitabilmente la vita inizierà a girare intorno all’opera. Detto ciò cercate subito delle opportunità di entrare a contatto con i teatri,  eviterei di collezionare bienni in Conservatorio e di rimanere parcheggiati in corsi e master spesso molto costosi e tenuti da chi il lavoro non lo fa!

[Intervista a cura di Margherita Colombo per Pianisti all’Opera]

Pianisti all’Opera: PAOLO VILLA

La figura del maestro collaboratore è ancora, per i non addetti ai lavori, qualcosa di oscuro e sconosciuto. Già il fatto che nel titolo manchi l’indicazione dello strumento lo classifica come un lavoro nebuloso, poco artistico e certamente non sensazionale. Ma chi lavora in teatro sa che il maestro collaboratore (o maestro accompagnatore, o maestro sostituto) è uno dei cardini dell’opera, a partire dalle primissime fasi di studio del ruolo da parte dei cantanti fino alla messa in scena vera e propria dello spettacolo. In Germania si chiama Korrepetitor. Nei paesi anglosassoni Vocal coach. In Francia Répétiteur.
Ma insomma, che fa ‘sto maestro collaboratore?
La risposta è: TUTTO.

Questo blog e la pagina Facebook correlata, dedicati all’opera ma più in particolare proprio alla figura del Maestro collaboratore, vuole portare finalmente i Pianisti all’opera davanti alle quinte: ed è con grande piacere che oggi vi presentiamo la nostra prima intervista a Paolo Villa, maestro collaboratore, pianista e direttore d’orchestra milanese attivo nel suo lavoro principalmente in Turchia.

Dopo gli studi in Pianoforte, Composizione, Clavicembalo, Musica Vocale da Camera e Direzione d’orchestra a Bologna, Chioggia e Milano, Paolo Villa si è dedicato principalmente all’accompagnamento in corsi, masterclass e concorsi nazionali e internazionali. Ha iniziato a lavorare in Turchia nel 2005 presso il Teatro di Smirne come maestro sostituto, cembalista e direttore d’orchestra per poi spostarsi nel 2008 al Teatro di Stato di Istanbul, dove, accanto alla sua attività da direttore d’orchestra, è diventato dal 2015 anche Maestro del coro del Teatro. 

Chi sei?
Sembra una risposta ovvia ma quando qualcuno me lo chiede non so rispondere e la prima cosa che mi viene in mente è “musicista”; poi di solito nessuno capisce cosa ho detto e mi chiedono: “ma cosa fai”? Forse perchè ho fatto e voglio sempre fare mille cose diverse o forse perchè credo nella musica la mia risposta è sempre uguale… beh forse non sono un maestro collaboratore modello…
Come sei diventato un maestro collaboratore? Caso, passione o necessità?
All’inizio è stato un caso; ad un corso di perfezionamento pianistico conobbi il maestro Umberto Finazzi; io ero un po’ in alto mare pensando ad una mia eventuale carriera come solista che non decollava e parlando mi disse: “Io faccio dei corsi estivi per maestri collaboratori, ci divertiamo…se vuoi vieni”. Ed è stata la folgorazione.
Definisci il tuo lavoro in tre parole.
Appassionante, unico e adatto solo a persone con un pizzico di follia.
La partitura che ami di più?
La “Bohéme” di Puccini.
Perché?
È forse una delle poche partiture che ho avuto modo di suonare, dirigere e prepararne il coro; l’ho studiata ed eseguita mille volte ma mi da sempre tantissime emozioni e alla fine piango sempre come un bambino.
Fare il maestro collaboratore: una professione che si impara a scuola o si vive sul campo?
Il mio primo maestro di direzione d’orchestra mi disse che la direzione l’avremmo imparata 50% a lezione e 50% con le figuracce davanti all’orchestra…Sì, bisogna studiare (e tanto) ma per il nostro lavoro l’esperienza sul campo è stata per me l’80%.

Da oltre dieci anni vivi e lavori in Turchia. Scusa la curiosità, ma come ci sei finito?
Ancora un caso; nel 2005 dopo aver fatto tanti studi e tanti lavori senza mai approdare a nulla di concreto, una cantante di un’agenzia mi disse che una sua vecchia amica pianista a Smirne chiedeva se qualcuno era disponibile ad andare laggiù perché avevano bisogno di un maestro italiano. E così decisi di provare la nuova avventura che mi ha portato appunto prima a Smirne e successivamente a Istanbul.
Essere la persona giusta al momento giusto è spesso un fattore importante nel nostro lavoro! Raccontaci un po’ del tuo lavoro in Turchia.
Un maestro italiano all’estero fa sempre cool e devo dire che la Turchia mi ha dato la possibilità di fare tante cose che in Italia forse non avrei avuto modo nemmeno di provare; forse ho anche un pochino di talento ma ho avuto ed ho incarichi di responsabilità come assistente di direttori d’orchestra, come responsabile per il repertorio italiano e in ultimo come maestro del coro; il lavoro più lungo e faticoso è ovviamente la dizione e cercare di spiegare e far vivere a queste persone quello che noi italiani abbiamo nel sangue: l’opera!
Qualche lato negativo purtroppo c’è: qui il limite maggiore è dovuto al fatto che la cultura e più nello specifico l’ambiente teatrale è tutto gestito dall’apparato statale e, come forse saprete, la politica turca non è molto a favore dell’arte quindi diciamo che si può arrivare fino ad un certo livello poi ci si ferma…e per un romanticone come me questo fa sempre un po’ male, perché la mia voglia di fare musica si scontra spesso con la rigidità burocratica degli impiegati statali…
Il teatro d’opera in un Paese come la Turchia funziona? Non è un tipo di spettacolo troppo lontano dalla sensibilità e dalla cultura del luogo?
Sembrerà strano ma qui ogni opera, balletto o concerto fa sempre il tutto esaurito; certo in un Paese come questo tutta la musica classica rimane un po’ di nicchia ma non ci possiamo lamentare. Bisogna ricordare che qui l’opera ha una storia di circa 80 anni… prima non esisteva se non in forme private alla corte del sultano. In Turchia ci sono 6 teatri d’opera, tutti statali, con programmazioni “classiche” (principalmente opere di repertorio e ogni tanto qualche azzardo tipo Rake’s progress, Ariadne auf Naxos e qualche barocco), tutto eseguito in lingua originale con sovratitoli in turco; c’è anche un piccolo repertorio di opere turche. Istanbul è il teatro più grande; abbiamo una stagione con otto opere (due nuovi allestimenti e sei di repertorio), altrettanti balletti e una stagione concertistica. In teatro lavorano circa cento coristi, altrettanti orchestrali, una quarantina di solisti, sette pianisti, un direttore di coro (io) e tre direttori d’orchestra, più una compagnia di ballo che conta (credo) una sessantina di artisti: la compagnia è fissa, di tanto in tanto viene invitato un direttore ospite ma ormai si tende a fare “tutto in casa”.
Una domanda forse stupida ma d’obbligo: parli il turco?
Si ormai lo conosco perfettamente. Per lavorare all’estero come sai bene è importante parlare la lingua, altrimenti verrai sempre visto come lo straniero che non fa parte di loro…

Se non avessi fatto il musicista chi saresti oggi?
Ringrazierò sempre mio papà che ai tempi del liceo mi disse di continuare a studiare altro nel caso non mi fosse andata bene come musicista; sono diplomato in elettronica e telecomunicazioni, ho continuato a interessarmi ai computer (quest’anno ho avuto la certificazione italiana ufficiale per il programma di notazione musicale Finale) e sì, se non fossi musicista sicuramente mi piacerebbe lavorare nel campo dell’informatica.
Cosa raccomanderesti a un giovane aspirante maestro collaboratore?
Secondo la mia esperienza prima di tutto che ognuno ha la sua strada e bisogna sempre tirare dritto senza fermarsi davanti alle tante difficoltà che purtroppo ci sono sempre; ho amici/colleghi che lavorano alla Scala, in Germania, in America e alcuni che purtroppo non sono riusciti a seguire la loro strada. Io sono finito in Turchia ma sono felice perché posso fare quello che ho sempre sognato.
Per i consigli più terra-terra studiare tanto, tanto, tanto sapendo che nel 90% dei casi sono i maestri collaboratori che fanno l’opera e su di loro pesa tutta la responsabilità della preparazione! Ah, un’ultima cosa: fatevi un corso di psicologia  per cercare di capire cosa passa nella testa di certi cantanti…

[Intervista a cura di Margherita Colombo per Pianisti all’Opera]

 

Protagonisti all’Opera: Matteo Pagliari

 

Chi sei?
Sono un bambino che non vorrebbe crescere.
Sono un ingenuo sognatore idealista, che si intristisce e si arrabbia di fronte a cattiverie alle quali non mi rassegno ad abituarmi. Posso restare imbambolato per ore ad ascoltare il rumore del mare. Mi commuovo di fronte a un bel film o se ascolto quattro note di quelle giuste. Adoro i Beatles e la musica Ska, posso mettermi a ballare per strada se da qualche parte ascolto un ritmo bello tosto (dovresti vedere le facce di chi mi vede…) e le mie mani non stanno mai ferme se sento della musica…

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Perché sei diventato un direttore d’orchestra?
Non so perché, ma so che non poteva essere altrimenti. I miei compagni delle elementari, oggi, mi dicono che già allora ne parlavo. So però quando è stata presa definitivamente la decisione, ovvero vedendo e ascoltando il Concerto di Capodanno diretto da Karajan, nel 1987. Studiavo pianoforte da un paio d’anni, e vedendo quell’uomo, vecchio e quasi immobile, restai affascinato da un carisma unico. Pensai “voglio fare anch’io quella cosa lì”.

Definisci il tuo lavoro in tre parole.
È difficile, ma vorrei essere originale. Visto che spesso mi si dice “Ah, ma tu sei quello che muove la bacchetta lì davanti? tutto lì?”, ecco, forse le tre parole che mi chiedi potrebbero essere “Allora fallo tu!”.

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La partitura che ami di più?
Il mio autore è Brahms e mi muove sentimenti indescrivibili. Il “pezzo più bello del mondo” per me è l’Intermezzo in La maggiore op. 118 n. 2 e la sua partitura – che spero di dirigere presto – è la Serenata in Re maggiore op. 11.

Perché?
Non lo so… ma credo perché di fronte alla musica di Brahms riesco ad essere ancora totalmente privo di qualsiasi deviazione “professionale” e ascolto la sua musica per il puro piacere che mi dà. È l’unico autore che mi fa piangere con tre note e che mi fa sorridere con le successive tre…

Studiare musica oggi: sì, no, forse e perché?
La musica dovrebbe essere patrimonio di tutti, indipendentemente dal fatto che poi si arrivi a essere musicisti. Ho avuto molta fortuna, perché a 7 anni cantavo Palestrina in un coro di voci bianche, ma la maggior parte dei miei compagni di coro, che oggi fanno tutt’altro, riconoscono l’importanza di quell’esperienza per la loro formazione. Continuo a non capire perché sia normale che si conosca Caravaggio (e, anzi, che sia uno scandalo se qualcuno non sa chi sia), ma se chiedi a una persona chi è Berlioz e non lo sa, la risposta è “Beh, mica sono musicista!”. Soprattutto in Italia, “Paese della musica e dei musicisti”, dovrebbe essere normale che si insegni da subito, insieme alla Storia dell’Arte, alla Filosofia etc., anche la Storia della Musica. In fin dei conti i grandi musicisti attingevano dalle altre discipline umanistiche e dalle altre arti, ed erano grandi per quello.

Se fossi il personaggio di un’opera saresti…
Ho una passione per i ruoli baritonali, e per i personaggi buoni e un po’ (o molto) sfortunati. Ovvio, mi piacciono anche i ruoli buffi, ci mancherebbe, ma probabilmente se dovessi scegliere un ruolo da cantare domani, potendolo cantare, sceglierei Rigoletto. La sua anima buona, triste e tormentata, costretta nel corpo deforme di un uomo che per vivere non può far altro che coprirsi di ridicolo, il suo sarcasmo (che paga a caro prezzo), l’amore per una figlia che non riesce a proteggere dalla cruda malvagità della gente che ha attorno… mi piace, mi commuove e non smette di emozionarmi. Una scena tra tutte? Due parole, dopo il rapimento di Gilda, dette a Marullo, che Rigoletto credeva una persona fidata. “Ah, voi dormiste? Avrò dunque sognato”. C’è in quella frase tutta la delusione di un’amicizia spezzata, di un tradimento, una pugnalata alle spalle. Quanta attualità e quanta quotidianità in quelle parole…

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Se potessi incontrare un personaggio del passato, chi sceglieresti?
Uno fra tutti, Gesù. Gli vorrei chiedere tante cose.

Tenacia, sensualità, fantasia: cita tre artisti con cui hai lavorato che rispecchiano questi termini.
Gregory Kunde per la tenacia. Oltre che essere un cantante divino, è un professionista inappuntabile, dedito allo studio e alla sua preparazione, costantemente. È stato in grado, a metà della sua carriera, di trasformare la sua voce passando dal repertorio lirico leggero al repertorio da tenore lirico drammatico. Era un grandissimo Otello rossiniano, oggi è uno dei più grandi Otelli verdiani. Chapeau!
Patrizia Ciofi per la sensualità. Una donna affascinante, dolce e capace di trasmettere emozioni fortissime con un filo di voce. Oltre ad essere una persona divertentissima. Ho lavorato con lei solo una volta, era Tancredi, a Madrid. Quando cantava “E tu quando tornerai…?” scrivendo una lettera a Tancredi, ecco, avrei voluto essere il destinatario di quella lettera…
Il musicista più brillante, elegante, fantasioso, geniale e raffinato che io abbia mai conosciuto è, senza ombra di dubbio, Mario Fulgoni, che, oltre ad essere stato uno dei miei maestri quando cantavo nel coro misto, è anche un fenomenale didatta e un originalissimo compositore. Un musicista davvero incredibile e completo, che non ho mai esitato a paragonare a Bernstein per molti aspetti.

Grazie Matteo!
[Intervista esclusiva a cura di Margherita Colombo – Pianisti all’Opera]